miércoles, 24 de febrero de 2016

SEXTO. Elementos básicos del dibujo. 95


Unidad  1
Objetivos:
• Explorar las posibilidades expresivas en la integración de lenguajes artísticos.
• Comprender los sentidos estéticos encontrados en los lenguajes cotidianos.
• Establecer relaciones entre los elementos de los lenguajes artísticos y la vida cotidiana.
• Comunicar sensaciones, sentimientos e ideas a través de los lenguajes artísticos.
Competencias:
Sensibilidad.
Apreciación estética.
Comunicación.
Contenidos.
        1.        Elementos básicos del lenguaje del dibujo.
a.        La línea.
b.        El punto.
c.        La textura o trama.
d.        El plano.
        2.        Teoría del color.
a.        El alto contraste. Blanco y negro.
b.        Contraste y producción de tonos.
        3.        Formas de composición artística.
a.        Formas simples y compuestas.
b.        Formas orgánicas e inorgánicas.
c.        Composición geométrica y composición realista.
Saber conocer
Saber hacer
Saber ser
Reconoce las posibilidades expresivas que brindan los lenguajes artísticos.
Explora las posibilidades que brindan los lenguajes
artísticos para reconocerse a través de
ellos.
Comprende y da sentido a las posibilidades
que brindan los lenguajes artísticos para crear
através de ellos.

Conceptos generales


  Elementos básicos del lenguaje del dibujo

Nos referimos a todos los  recursos básicos que se deben que se deben tener en cuenta  para realizar adecuadamente una composición artística  con técnicas de dibujo.
La línea es el medio gráfico fundamental para representar las formas que nos rodean y las ideas, creando un lenguaje que no necesita palabras. Es el elemento visual más importante del dibujo.


La línea.
La línea es considerada una sucesión de puntos (trayectoria de un punto en movimiento) o la huella continua cuando dibujamos con cualquier objeto.
   
  Clasificación de la línea


b.      El punto.
 
Proyecto desarrollado en clase: Jose Luis alean 9°2 -2011

Es el primer encuentro de la punta del lápiz o cualquier otro material con el papel, la madera, el metal, etc. El punto es un marcador de espacio, es la marca más pequeña dejada sobre una superficie por un instrumento, lápiz, pincel, pluma, etc.
El punto puede ser:
a) como mancha,
b) como elemento de configuración y
c) como elemento abstracto.
El punto es la base de toda composición plástica, donde el artista hace uso consciente de él durante su trabajo artístico.

Estamos habituados a considerarlo redondo pero en realidad puede adoptar formas muy variadas: triangular, cuadrado, ovalado, gota, estrellado, irregular; relleno de color o vacío.
El punto puede tener tamaños muy variados pero si sobrepasa cierto tamaño pasa a considerarse plano.
Los puntos se pueden situar muy cerca, concentración, o disponerse alejados, dispersión, de esta manera podemos producir sensación visual de volumen.

Las principales características del punto son:
 Tiene un gran poder de atracción visual, creando tensión sin dirección.
Cuando se sitúan próximos dos puntos pueden producir sensaciones de tensión o de dirección, creando en la mente del espectador una línea recta imaginaria que los une.
 Si se sitúan diferentes puntos en prolongación sugieren una dirección, un camino, más acentuada cuanto más próximos estén los puntos entre sí.


c.       La textura o trama.
d.       
e.      El plano.
2.       Teoría del color.
a.       El alto contraste. Blanco y negro.
b.      Contraste y producción de tonos.
3.       Formas de composición artística.
a.Composición geométrica y composición realista.
d.      Formas simples y compuestas.
e.      Formas orgánicas e inorgánicas.


martes, 16 de febrero de 2016

OCTAVO.El arte Bizantino. 96




"La Virgen de Vladimiro"














Recuperado de:

Bizantino - Historia del Arte - Educatina



El arte bizantino nace y se desarrolla a partir del siglo IV después de Cristo en el imperio romano de oriente, donde florece hasta el siglo XV. De ahí, se pasa a los países del Este de Europa.
Es un arte subordinado al poder del emperador, y cuando éste adopta la religión cristiana, al poder de la religión también. Este arte manifiesta la presencia de tres influencias: la del cristianismo incipiente, la del racionalismo griego y la del Islam.
Varios eventos afectan su desarrollo. Los más notables son: el movimiento iconoclasta del siglo VIII, y en el siglo XI, la ruptura entre la iglesia de oriente y la de occidente. Este arte produce una arquitectura monumental manifestada en sus iglesias, unos espléndidos mosaicos e impresionantes esculturas. Dos ciudades de particular interés para el arte Bizantino son Bizancio-Constantinopla y Ravena.
Iconoclastas
El movimiento iconoclasta surge en Bizancio en el siglo VIII, debido a que una parte del clero se indigna al ver que los fieles "adoran imágenes", mientras la otra parte considera indispensables las representaciones para la educación religiosa del pueblo.
Las imágenes o "íconos" son rotas en gran número. Cuando el movimiento se apacigua, la pintura adopta reglas de representación fijas que se manifiestan en los mosaicos y en los íconos portátiles de madera.
Pintadas a la encáustica (con tinta roja), estas imágenes sagradas dan cuenta de la vida de Jesús y de María.

Los mosaicos bizantinos

Los mosaicos bizantinos, abundantes y exuberantes de luz y color, ejercen funciones didácticas y sobre todo simbólicas.
Mosaico bizantino
Al igual que en el arte tardío romano, la técnica adoptada es el opus tesselatum, que mezcla piedras y vidrios de color.
Se da ahora una marcada preferencia al dorado y se instituye un simbolismo rígido para los demás colores (púrpura de los emperadores y del Cristo resucitado, por ejemplo).
Los mosaicos cubren los muros interiorew y las cúpulas.En los muros el espacio es simbólicamente dividido en tres partes: inferior para las representaciones terrestres, media para las representaciones de transición y superior para el cielo.
Los elementos incluidos siguen cánones estrictos que dignifican la vida de los emperadores y de las figuras religiosas. 





Las cúpulas bizantinas

Las cúpulas son el elemento más evidente de la arquitectura bizantina.
Son amplias y numerosas, originalmente circulares.
Evolucionan, con el paso del tiempo y bajo la influencia árabe, hacia las cúpulas en forma de cebolla tan características del paisaje ruso.
Son colocadas directamente sobre los muros del edificio o aisladas por un tambor.
Están unidas a la base cuadrada por medio de pechinas triangulares y curvas.
Santa Sofía

La arquitectura bizantina es variada y monumental. Usa el plano de la basílica heredado de los romanos, el plano circular de los martiria y la cruz griega.
Para lograr tamaños mayores, multiplica los arcos, las bóvedas y las cúpulas, así como también las columnas. Además, los bizantinos han aprendido a construir cúpulas ligeras con ladrillo y cerámica.
En la elaboración de las paredes mezclan fácilmente ladrillo, piedra y mortero. Los muros externos son sobrios, con acabado natural. Las decoraciones de mosaico interiores son fastuosas.
La Basílica de Santa Sofía, en Estambul, es una de las más importantes construcciones bizantinas. Se pueden observar sus numerosas cúpulas alrededor de la principal. Las 4 torres altas de cada lado del edificio son minaretes erigidos por los musulmanes, quienes conquistaron los restos del imperio romano.

Los Arcos bizantinos

El arco de medio punto es un elemento esencial de la arquitectura bizantina. El arco ciego se integra frecuentemente como elemento decorativo de las paredes.
El arco de medio punto abierto sostiene paredes altas que no necesitan ser muy gruesas.
Son comunes las arcadas paralelas a los muros externos y repetidas sobre varios pisos.
Por lo tanto, no existe ningún inconveniente en dejar amplios claros en los muros, y las iglesias bizantinas, con sus numerosas ventanas, son llenas de luz natural que subraya el simbolismo espiritual presente en todo el arte bizantino.
Los mismos arcos dan entrada a amplias bóvedas de cañón, muchas veces con aristas.

Las columnas bizantinas

Son columnas decorativas. Participan al juego de luz y colores que se lleva a cabo en los edificios bizantinos.


Debido a que no sostienen dinteles, sino arcos en series, requieren de capiteles voluminosos.
Muchas veces son de mármol de color.
En estos se encuentran todo tipo de decoraciones, en particular, intrincados motivos vegetales.
El ábaco también cambia, adoptando una forma trapezoidal, más conveniente en las arcadas.
© Photo, Paul Halsall de la Red bizantina.
La columna del grabado da una idea de lo que eran las columnas salomónicas, comunes en el arte bizantino.
Aquí, la columna de fuste torcido esta pintada de rojo. Las originales eran de mármol rojo.
La escultura bizantina

Obra bizantina
La escultura bizantina es de dos tipos: enorme o pequeña, y en todo caso, escasa.
Contrariamente a la tradición romana, cuida poco las semblanzas.
Las esculturas son frontales, hieráticas y formales.
Los ojos, grandes y mirando hacia lo alto, pretenden trasmitir inquietudes trascendentales.
Las estatuas grandes son de piedra (mármol, etc.). Las pequeñas son relieves organizados en dípticos portátiles hechos de marfil.
Espacio y figura humana
La figura humana en el imperio bizantino fue fuertemente vedada debido a que parte de la iglesia de oriente se opuso a cualquier representación de escenas o personajes sagrados. Esta postura llevó al comienzo de la iconoclasia en el año 726, cuando el emperador León III ordenó la destrucción por todo el imperio no sólo de los íconos, sino de todas las representaciones religiosas donde apareciera la figura humana. Únicamente el territorio bizantino de Italia se resistió a esta  norma.
Los artistas bizantinos aprendieron otra vez, estudiando los antecedentes clásicos, la representación de figuras vestidas en el estilo de paños o pliegues mojados. También intentaron sugerir la valoración de luces y sombras que crea la ilusión de espacio tridimensional y da vida a la superficie pintada.
Sin embargo, las imágenes religiosas sólo se aceptaban si la figura humana no se representaba como una presencia física tangible. Los artistas bizantinos resolvieron este problema por medio de la abstracción, es decir, por medio de diseños planos que conservaran el interés visual de la composición mientras evitaban cualquier modelo concreto y con ello cualquier apariencia corporal. De este modo establecieron convencionalismos para la representación de la figura humana que perduraron en el  arte bizantino.
Es característico del arte bizantino el espacio sumamente reducido, se anula el espacio, resaltando las figuras sobre fondos lisos, se unen entre sí sin perspectiva, quietas en sus gestos mecánicos.



jueves, 11 de febrero de 2016

DÉCIMO. Proyección de vistas ortogonales. 94

Enlace para la profundización del tema Proyección ortogonal


Se trata de la representación de un objeto más allá de una sola visión. Es decir que se realiza el análisis de dicho objeto teniendo en cuenta todos sus posibles puntos de vista.  Se hace más sencillo comprender el objeto si se tiene mayor información que la que brinda una posición determinada.

Si observamos la imagen de una construcción solamente desde su fachada, no es posible tener la información acerca de la profundidad, el número de espacios que tiene u otros datos importantes que en ocasiones se necesitan.

Una buena proyección ortogonal de un objeto nos permite realizar los anteriores análisis para la reproducción, estudio o reforma del mismo.


Para obtener las proyecciones ortogonales de un objeto se dan los siguientes pasos.
1. Se sitúa el objeto de forma que sus caras sean paralelas o perpendiculares al plano del papel.
2. Se observa el objeto de forma que las líneas visuales pasen por sus vértices, incidiendo perpendicularmente sobre el plano de proyección, tal y como muestra la figura de la derecha.
3. Para obtener el alzado, se elige el punto de vista que permita observar más detalles del objeto. Por ejemplo, en un coche, una vista desde el frente.
4. Para obtener la planta, se gira 90º hacia arriba respecto a la posición anterior. En el caso de un coche, la planta se obtendría mirando el coche desde arriba.

5. Por último, para obtener el perfil, se parte de nuevo de la posición desde la que se ha obtenido el alzado y se gira 90º hacia la izquierda. En un coche, el perfil coincidiría con la vista desde un lateral. 



Aun que existen otros puntos de vista u otras proyecciones vamos a presentar las más importantes que se utilizan para el análisis de un objeto.
Las proyecciones ortogonales son un sistema de representación preestablecido, es decir, un método, código o conjunto normas que permiten producir ideas gráficas.
Este sistema esta basado en la utilización de la menor cantidad de elementos que nos permita configura la realidad tridimensional.Esto es posible a partir de considerar el espacio real como el encuentro de un plano recto horizontal y otro vertical (P.V) que se cortan entre si formando un ángulo de 90 grados, por lo que son perpendiculares.
En teoría estos planos son infinitos, aunque en la práctica se limitan de acuerdo a la necesidad del trabajo. la única definición real de ambos es la línea producida por su intersección.





Las vistas más importantes de un objeto tienen el nombre de alzado,planta y perfil. Pero además existen otras que nos permiten el análisis completo del mismo.






En el gráfico que encontramos a continuación observamos la manera en que se realiza el proceso mental para la realización de un sistema de proyección ortogonal con las seis vistas de un objeto.



Realice sus ejercicios teniendo en cuenta el ejemplo a continuación.






miércoles, 10 de febrero de 2016

NOVENO. El arte Barroco. 93

Barroco (arte y arquitectura), estilo dominante en el arte y la arquitectura occidentales aproximadamente desde el año 1600 hasta el 1750. Sus características perduraron a lo largo de la primera mitad del siglo XVIII, si bien dicho periodo se denomina en ocasiones estilo rococó.
Manifestaciones barrocas aparecen en el arte de prácticamente todos los países europeos, así como en las colonias españolas y portuguesas de América. El término barroco se aplica también a la literatura y la música de aquel periodo.
Los orígenes de la palabra barroco no están claros. Podría derivar del portugués barocco o del castellano barrueco, término que designa a un tipo de perlas de forma irregular. La palabra es un epíteto acuñado con posterioridad y con connotaciones negativas, que no define el estilo al que hace referencia. De cualquier modo, a finales del siglo XVIII el término barroco pasó a formar parte del vocabulario de la crítica de arte como una etiqueta para definir el estilo artístico del siglo XVII, que muchos críticos rechazaron después como demasiado estrafalario y exótico para merecer un estudio serio. Escritores como el historiador suizo Jakob Burckhardt, en el siglo XIX, lo consideraron el final decadente del renacimiento; su alumno Heinrich Wölfflin, en Conceptos fundamentales para la historia del arte (1915), fue el primero en señalar las diferencias fundamentales entre el arte del siglo XVI y el del XVII, afirmando que “el barroco no es ni el esplendor ni la decadencia del clasicismo, sino un arte totalmente diferente”.
El arte barroco engloba numerosas particularidades regionales. Podría parecer confuso, por ejemplo, clasificar como barrocos a dos artistas tan diferentes como Rembrandt y Gian Lorenzo Bernini; no obstante, y pese a las diferencias, su obra tiene indudables elementos en común propios del barroco, como la preocupación por el potencial dramático de la luz.
La evolución del arte barroco, en todas sus formas, debe estudiarse dentro de su contexto histórico. Desde el siglo XVI el conocimiento humano del mundo se amplió constantemente, y muchos descubrimientos científicos influyeron en el arte; las investigaciones que Galileo realizó sobre los planetas justifican la precisión astronómica que presentan muchas pinturas de la época. Hacia 1530, el astrónomo polaco Copérnico maduró su teoría sobre el movimiento de los planetas alrededor del Sol, y no de la Tierra como hasta entonces se creía; su obra, publicada en 1543, no fue completamente aceptada hasta después de 1600. La demostración de que la Tierra no era el centro del Universo coincide, en el arte, con el triunfo de la pintura de género paisajístico, desprovista de figuras humanas. El activo comercio y colonización de América y otras zonas geográficas por parte de los países europeos fomentó la descripción de numerosos lugares y culturas exóticas, desconocidos hasta ese momento.
Recuperado de: rincondelvago.com/arte-barroco.html




Recuperado de: lacavernadelarte.wordpress.com

Iglesia de Guanajuato - Mexico.


Características

El Arte Barroco se da durante cambios trascendentales para la humanidad como es el descubrimiento de América. 
Las ciudades están estables y es pleno apogeo de las cortes y el sol es considerado el centro del universo. 
Las principales características del arte barroco: 
Es considerado el Arte de la Contrarreforma. 
Culto a las imágenes en oposición a los iconoclastas de la sobria estética protestante. 
La pintura se sale del marco. 
Detalle de un todo. Nace la frase "Todos sómos detalles mínimos" 
Arte regido por el Concilio de Trento que prohibe desnudos o escenas impúdicas. 
Arte emocional, dramático, exaltado y naturalista. 
Tiene energía tensión y contrastes de luces y sombras. 

Representantes del Arte Barroco: 
Alemania.- Rembrandt, Rubens..
 
"Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp"
 es una de las obras más conocidas del pintor
 holandés Rembrandt.  Recuperado de: 
www.swagger.mx

Italia.- Caravaggio, Reni, Tiépolo...
La incredulidad de santo Tomás, 1601-1602; óleo sobre
 lienzo del artista
 
Michelangelo Merisi da Caravaggio



Holanda.- Vermeer, Honthorst, Hals... 
Inglaterra.- Van Dyck, Hogarth, Reynolds, Gainsborough, Constable... 
España.- Zurbarán, Murillo, Ribera, Velazquez, 
Francia.- Poussin, De La Tour...




























Revistas digitales realizadas por estudiantes

                                             ACTIVIDAD

Realice el crucigrama de acuerdo a la lectura y su investigación.

jueves, 4 de febrero de 2016

OCTAVO. El Decollage. Técnicas experimentales. 92



Recuperado de: www.fahrenheitmagazine.com
Es la técnica que podríamos llamar contraria al Collage por que utiliza la imagen y su repetición para reconstruirla, en el decollage se puede recortar, rasgar, repetir entre otras actividades, partes de la imagen para recrearla nuevamente.
Ya no se trata de crear una imagen nueva desde muchas fuentes, si no que lo que se intenta con el decollage es modificar la imagen y recrearla mediante su transformación.
Recuperado de: nigeltomm.org

Este ejemplo mezcla dos imágenes en un una sola pieza  artística logrando un efecto fantástico en el que es difícil identificar cual parte pertenece a que imagen. 

Recuperado de: roseromero.weebly.com
Recuperado de:roseromero.weebly.com




OCTAVO. El Collage. Técnicas experimentales. 91

Recuperado de :www.tes.com
El collage es una técnica creada por los pintores cubistas Picasso y Brake. llevaban papeles de colgadura, periódicos, cartas y publicaciones a sus obras de arte, haciendo de ellas una recontextualización de elementos cotidianos convertidos en imágenes visuales.

La palabra "collage" proviene del término francés COLLER que significa  PEGAR O ADHERIR,

"El collage es una técnica artística, consistente en el pegado de diversos fragmentos de materiales sobre una superficie.


Ya en 1899, Pablo Picasso experimentaba pegando fotografías a sus dibujos, pero en 1912, incorporó una rejilla de hule a su obra “Naturaleza muerta con silla de rejilla”. Sal mismo tiempo, su amigo Georges Braque realizaba los primeros papiers collés, agregando recortes de papel pintado imitación madera a su obra en “Tête de femme” (1912)."

Esta técnica en lugar de imitar la realidad, como se estilaba hasta entonces, compone las obras con trozos de realidad
Los materiales más empleados para collage son planos, como telas, papeles, cartón, fotografías, fragmentos de plástico, recortes de periódico. También se pueden utilizar objetos con volumen como prendas de vestir, cajas, objetos de metal.
El collage puede combinarse con otras técnicas, como el dibujo y la pintura, el óleo, la acuarela, el grabado. En el comienzo se trataba de agregar papeles de colores planos sobre cuadros, aumentando el color absoluto. Esta técnica fue muy empleada por los futuristas y dadaístas.
Recuperado de: http://www.artesaniasymanualidades.com/tecnicas/que-es-el-collage.php

Artistas del collage
A continuación encontrarás los artistas que utilizaron el collage por primera vez y algunas de sus obras. 
a. Pablo Picasso  Aquí encuentras información de enlace.
recuperado de: www.fahrenheitmagazine.com
La guitarra- Collage


b. George Brake Enlace.
Recuperado de: www.wikiart.org
Violin y pipa


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miércoles, 3 de febrero de 2016

OCTAVO. El mosaico. Técnicas experimentales. 90

Recuperado de: www.pinterest.com

En ésta entrada encontrarás algunas técnicas desarrolladas en la clase donde se utiliza el papel y la pintura entre otros materiales.


El Mosaico 
Se puede decir que el mosaico utiliza diferentes piezas pequeñas que componen la totalidad de una imagen más grande, se puede comparar cada pieza de esas con los pixeles de la imagen digital o con cada punto que compone una imagen puntillista.

Un mosaico (del latín mosaĭcum [opus], ‘[obra] relativa a las Musas, artística’) es una obra pictórica elaborada con pequeñas piezas de piedra, cerámica, vidrio u otros materiales similares de diversas formas y colores, llamadas teselas, unidas mediante yeso u otro aglomerante para formar composiciones decorativas geométricas o figurativas.
La palabra griega μoυσα-ης (mousa-es) significa ‘musa’; μουσειoς-α-oν (mouseios-a-on), ‘concerniente a las musas’; μoυσειoν-oυ (mouseion-ou), ‘templo de las musas’, ‘lugar donde residen las musas’.
Recuperado de: bricolage-pvc.com
La palabra μoυσειoν (mouseion) dio origen al latín musivus -a -um, que es el antecedente de mosaico. Se dice que los romanos consideraban tan exquisito el arte de hacer mosaicos que pensaban que solo podían crearlo las musas o los favorecidos por ellas.
La técnica del mosaico proviene de un perfeccionamiento del primitivo pavimento que se hacía con guijarros y se denominaba con el término griego de lithostrotos (‘preparado con piedras’).2 En el mundo europeo fue muy frecuente y desde muy temprano (desde fines delsiglo V a. C.) el pavimento compuesto por guijas de río (piedrecillas pequeñas que se encuentran en las orillas) de tamaños y de colores distintos. Con estas guijas se hacían dibujos sencillos de temas geométricos. En los pueblos de Castilla y León (en España) han seguido a través de los siglos esta tradición para los patios y zaguanes de las casas. Es lo que llaman enguijarrado.
Recuperado de wikipedia

Mosaico en la Basílica de San Vitale en Rávena (Italia). Detalle del presbiterio.
Mosaico realizado en clase de artística en la institución
Pablo Neruda
 2011


Otras definiciones de Mosaico en este enlace.




Mosaico realizado en clase 2010 
Recuperado de: www.pinterest.com