miércoles, 25 de febrero de 2015

SEPTIMO. Los Egipcios. 19

El arte Egipcio.


El Antiguo Egipto, de la serie: Grandes Civilizaciones / Exploradores de la Historia

Los jeroglificos.

Jeroglifo o jeroglífico es cada uno de los signos que conforman la escritura de algunas de las antiguas civilizaciones, tales como las utilizadas por los egipcios, los hititas y los mayas. También se aplica, despectivamente, a cualquier escritura de difícil interpretación, o que sea enigmática.


La figura humana en egipto.


Dioses.

Socialización

1. ¿Cómo se genera la cultura Egipcia?¿Qué es el Limo?
2. ¿ Cómo se llama el río entorno al cual aparece?
3. ¿Cómo se llaman los diferentes gobernantes que eran también dioses? 
4. ¿´Dónde está ubicado Egipto?
5. ¿Cómo es el comercio en el Nilo?
6. ¿Cómo se llama la capital o ciudad más importante? 
7. ¿ Cuáles son sus construcciones más importantes?
8. ¿ Qué es la momificación?
9. Realice una breve descripción de los jeroglíficos.
10. ¿Qué le pasaba a los que morían según la cultura Egipcia?
11. ¿describa la manera como se extiende el imperio Egipcio? Las dos coronas. 
12.¿ Cómo se llamaba la más famosa faraona egipcia?
13. ¿Cómo se destaca el arte de esa cultura y la representación de la figura humana?
14. Realice una lista de dioses de la cultura egipcia y sus funciones.
15. ¿Qué puedes contar de la caída del imperio Egipcio?

Tarea

1. Realice un plegable de tres cuerpos con el tema de la cultura egipcia.
2. Reseñe los datos más importantes esta cultura. Utilice el lenguaje del arte Egipcio para decorar el       plegable, Utilice imágenes y realice las fichas técnicas (título, autor, técnica y fecha de realización    de las obras) de las mismas.
3.Elija uno de los dioses egipcios y realice un cartel con su reseña e ilustración.
 En el enlace Crucigrama realiza la actividad.


SEXTO. El origen del arte. 18

VIDEO DEL ORIGEN DEL HOMBRE Y SU EVOLUCIÓN.

Nos revela un poco la manera como aparece el arte y la expresión en la tierra, con la aparición del hombre mismo.

EL ARTE RUPESTRE.

Se conoce como arte rupestre a los rastros de actividad humana o imágenes que han sido grabadas o pintadas sobre superficies rocosas.
En su paso por el mundo, el hombre ha dejado plasmadas en cuevas, piedras y paredes rocosas, innumerables representaciones de animales, plantas u objetos; escenas de la vida cotidiana, signos y figuraciones geométricas, etc., obras consideradas entre las más antiguas manifestaciones de su destreza y pensamiento. Antes del desarrollo de la escritura, las sociedades humanas posiblemente registraban ya, mediante la pintura y el grabado en piedras, una gran parte de sus vivencias, pensamientos y creencias.
Las primeras manifestaciones artísticas.


Las primeras manifestaciones artísticas.



la primera representación de la mujer.

Esta obra es la obra mas antigua que se conoce, 
LA VENUS DE WILLENDORF
30000-20000 A.C.


CUEVA DE LAS MANOS EN ARGENTINA

Petroglifo Piedra Horizontes, Sasaima, Cundinamarca (Colombia)

Expresadas de una manera muy sintética, estas manifestaciones son el reflejo de la capacidad intelectual de la humanidad para abstraer y representar su realidad.

Su denominación como “arte” no significa que se trate de objetos artísticos en los términos y con las finalidades con que hoy los entendemos desde nuestra cultura occidental. Ésta es sólo una más de las formas como se ha intentado definir su significado. Lo “rupestre” hace referencia al soporte en que se encuentra (del latín rupe: roca). Quizás sea más indicado el término manifestaciones rupestres(1), pues la palabra “arte” implica darle un sentido que no necesariamente coincide con el que le dieron sus ejecutores.  

Actividades de afianzamiento 

Juega para mejorar tus conocimientos
Encuentra los grupos relacionados

Arma el rompecabezas de una imagen del arte rupestre 
                                                                                                                                                          Recuperado de:informacionde.info

Ejercicios de laboratorio realizadas en clase en  mayo de 2015.



Proyecto de pintura rupestre realizado con tierra, carbón y cal.





SEXTO. La yuxtaposición del color. 17

La yuxtaposición del color.

Se denomina así a la manera de mezclar el color, pero diferente a la superposición.
Yuxtaponer significa poner a un lado. En este caso ponemos un color primario al lado del otro generando la sensación de la mezcla sin que se logre físicamente, es el ojo humano el que termina la tarea.














Los impresionistas, que eran un movimiento artístico del siglo XIX y principios del XX que estudiaba la luz y el color en los objetos, utilizaban la yuxtaposición en sus proyectos. 

podemos observar en la siguiente imagen de George Seurat como el punto es generador de la mezcla de colores, manteniendo separados los básicos o primarios.


La yuxtaposición del color es una forma diferente de utilizar el color.

martes, 17 de febrero de 2015

EL RENACIMIENTO. 16


REVISTA REALIZADA. Lina porras, Sebastian Hurtado, Santiago Arenas. 9-1 (2016)


El Renacimiento - Historia - Educatina. Recuperado de: https://www.youtube.com/watch?v=q4DEwnXd8Hc 


Renacimiento es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental durante los siglos XV y VI.  Fue un período de transición entre la Edad Media y los inicios de la Edad Moderna. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes, aunque también se produjo una renovación en las ciencias, tanto naturales como humanas. La ciudad de Florencia, en Italia, fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este movimiento, que se extendió después por toda Europa.
El Renacimiento fue fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo. El término «renacimiento» se utilizó reivindicando ciertos elementos de la cultura clásica griega y romana, y se aplicó originariamente como una vuelta a los valores de la cultura grecolatina y a la contemplación libre de la naturaleza tras siglos de predominio de un tipo de mentalidad más rígida y dogmática establecida en la Europa medieval. En esta nueva etapa se planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, con nuevos enfoques en los campos de las artes, la política, la filosofía y las ciencias, sustituyendo el teocentrismo medieval por el antropocentrismo.
En ese sentido, el historiador y artista Giorgio Vasari formuló una idea determinante: el nuevo nacimiento del arte antiguo (Rinascita), que presuponía una marcada conciencia histórica individual, fenómeno completamente nuevo. De hecho, el Renacimiento rompió, conscientemente, con la tradición artística medieval, a la que calificó como un estilo de bárbaros, que más tarde recibirá el calificativo de Gótico. Sin embargo, los cambios tanto estéticos como en cuanto a la mentalidad fueron lentos y graduales. El concepto actual de renacimiento será formulado tal y como hoy lo entendemos en el siglo xix por el historiador Jules Michelet.
Desde una perspectiva de la evolución artística general de Europa, el Renacimiento significó una «ruptura» con la unidad estilística que hasta ese momento había sido «supranacional». El Renacimiento no fue un fenómeno unitario desde los puntos de vista cronológico y geográfico: su ámbito se limitó a la cultura europea y a los territorios americanos recién descubiertos, a los que las novedades renacentistas llegaron tardíamente. Su desarrollo coincidió con el inicio de la Edad Moderna, marcada por la consolidación de los estados europeos, los viajes transoceánicos que pusieron en contacto a Europa y América, la descomposición del feudalismo, el ascenso de la burguesía y la afirmación del capitalismo. Sin embargo, muchos de estos fenómenos rebasan por su magnitud y mayor extensión en el tiempo el ámbito renacentista. 

Recuperado de: https://es.wikipedia.org/wiki/Renacimiento







La filosofía renacentista

Presentación acerca de los principios del renacimiento.



Artistas destacados del Renacimiento


Video realizado por los estudiantes del grado decimo 1 en 2015  
Lesli Sarrazola, Juliana Muñoz, Liseth Valderrama, Jhosep Misas, Esneider Rojas, Yeris Galeano


ACTIVIDAD 
Realice la actividad de parejas para recordar conceptos y personajes del Renacimiento.




Revistas realizadas por estudiantes
 Jhancy Trujillo, Jackeline Galindo 92 agosto de 2016
 Jhon Henry Escobar, Ariel Duran.Marlon Cano. 92. agosto de 2016











viernes, 13 de febrero de 2015

NOVENO.Traslapo. 15

En esta fase tendrás la oportunidad de generar interrelaciones entre los objetos a partir de la construcción de volúmenes, luces y sombras, utilizando el bodegón como forma de composición inicial. Además, desarrollar imágenes prácticas de manera física y virtual.

1. Actividad de conocimientos previos:
Realiza la lectura de los conceptos a tratar en esta fase y analiza las imágenes que complementan los textos. Amplia tus conocimientos con un "click" sobre los títulos. 

Traslapo Cubrir parcialmente una cosa [a otra], como las tejas de un tejado, las hojas de una ventana, etc.  El dibujo para generar profundidad, los objetos que están adelante cubren parcialmente, los objetos en la parte de atrás  para generar la sensación de profundidad 

autorretrato con 5 objetos
Como podemos observar en la imagen a la izquierda, los objetos que se encuentran en la parte de adelante cubren parte de los que se encuentran en la parte de atrás. esto genera la sensación de profundidad y relaciona los elementos para ponerlos en el mismo espacio.
Las luces y las sombras de diferentes clases complementan la relación.
La clase de composición que se utiliza en este caso es llamada bodegón o naturaleza muerta.

Bodegón Se trata de una forma de composición que utiliza elementos sin movimiento que se utilizan para el estudio, por parte del artista, de los elementos básicos como el color, el volumen, la luz entre otros.
Naturaleza muerta con frutas. 1989
Fernando Botero
 Los ejercicios de bodegón o naturaleza muerta han sido utilizados por los artistas durante toda la historia para representar lo cotidiano, objetos que se encuentran en el entorno que sirven de excusa para la producción de obras 
de arte con características formales de alta calidad.

Generalmente son la base para el mejoramiento técnico del quehacer de un dibujante o un pintor.

Bodegón vanitas.1630
Pieter Claesz
Bodegón. 1945
Pablo Picasso
Obviamente las temáticas pueden cambiar de acuerdo a las intenciones del artista, la técnica o la época de realización del trabajo.








A pesar de la tendencia cubista utilizada en esta obra, es de destacar el uso de las sombras para generar el volumen y las relaciones entre los objetos para que se hagan parte de la misma imagen. 











2. Actividad práctica:
Ubica directamente los objetos para un bodegón teniendo en cuenta la fuente de luz y que estén cerca de una pared en la que se refleje su sombra, o utiliza una de las imágenes que proponemos como ejemplos para realizar tus ejercicios prácticos. Utiliza los conceptos de encaje de formas, volumen y claro-oscuro para la aplicación de los conceptos. Envía las dos imágenes (la de referencia y la realizada por ti) en un documento de word al correo netowms@gmail.com. Identificado así: Nombre_Apellido_prácticabodegon.doc. En el asunto escribe el grupo al que perteneces y un nombre y un apellido y la palabra bodegón.
3. Actividad de consolidación de conceptos:
 En la página de inicio encontrarás una imagen que dice "evaluaciones". Oprime la imagen y te lleva a una tabla para realizar test en línea. Busca la unidad y el grupo al que perteneces. Oprime la palabra “quiz”, en el lugar que dice estudiantes busca tu nombre y escribe tu contraseña, realiza el test y al final tendrás el resultado con el  porcentaje acertado. 


NOVENO. Artistas Del Volumen. 14

En la tercera actividad identificarás algunos artistas que se destacan por el estudio del volumen y el claro-oscuro en su obra, con la posibilidad de profundizar en ellos estos conceptos y de esa manera adquirir bases para la realización del análisis y  la argumentación entorno a los mismos en la imagen y la obra de arte de tu entorno y de los diferentes momentos históricos en el arte y las culturas. Está compuesta por cuatro pasos. Realiza cada uno de ellos de manera secuencial para obtener buenos resultados.

1. Actividad de conocimientos previos:
Realiza la lectura delas biografías de los siguientes artistas y presta mucha atención  en sus obras, observa  en ellas el uso del volumen y claro- oscuro. Complementa tus conocimientos con las lecturas al final de la entrada. 
Fernando Botero

Rembrandt Harmenszoon Van Rijn

David Manzur


2. Actividad  de afianzamiento:
Identifica los artistas y sus obras en la siguiente actividad de apareamiento desarrollada para la profundización del tema. Oprime el botón “comenzar”. 

Relacione los textos con las Imágenes.

3. Actividad de aplicación: 

Selecciona una de las obras de los artistas observados en la actividad. Realiza la ficha técnica  con los datos Título, Autor, Técnica y fecha de realización de la obra. Realiza un análisis de la obra en el que menciones la manera como está utilizada la forma, el volumen y el claro- oscuro. Utiliza el espacio de comentarios al final de la entrada para publicar tu escrito. Recuerda que lo puedes hacer como anónimo y marcar con tu nombre y grupo al que perteneces.

4.  Actividad de consolidación de conceptos:

Escribe un ensayo acerca de la manera como la aplicación del volumen ha afectado la producción artística en algunas etapas de la historia del arte como por ejemplo el arte egipcio, el arte griego y el arte de tu entorno actual. Utiliza la herramienta “flipsnak.com” o “slideshare.com” para el diseño de un catálogo virtual con la temática. Publica el enlace en el espacio de comentarios con tu nombre y grupo y el nombre del catálogo.




Fernando Botero es un pintor, escultor y dibujante colombiano que nació en Medellín el 19 de abril de 1932. 

Fecha de nacimiento: 19 de abril de 1932 (edad 82), Medellín, Colombia

Período: Arte moderno
Educación: Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
Libros: Botero Donaciones al Museo Nacional de Colombia
Hijos: Fernando Botero Zea
Cónyuge: Sophía Vári (m. 1978), Cecilia Zambrano (m. 1964–1975),Gloria Zea (m. 1955–1960)
Sus primeras pinturas muestran una pincelada suelta y concreta, pero poco a poco ésta se empasta, al tiempo que las perspectivas y las figuras se hacen arbitrarias en función de la importancia que tengan en la representación. Óleo, acuarela, pastel, sanguina o lápiz son manejados con gran destreza a lo largo de su obra. Botero emplea la gordura como base de una cariñosa burla para comentar ciertos aspectos de la vida (La alcoba nupcial, 1958). A partir de 1960, lleva a cabo entre su variada temática una serie de obras en las que parece rendir tributo a los grandes maestros de la pintura universal como Mona Lisa a los doce años (1959), Rubens con su esposa (1965) o Autorretrato según Velázquez (1986). Su afición por los toros le lleva en la década de 1980 a dedicarse casi en exclusiva a este tema (La pica, 1984, El quite, 1988). La misma voluptuosidad e ingenuidad que caracteriza su pintura, se encuentra en la escultura cuya producción se inicia en París en 1973, se trata en su mayor parte de figuras y animales de tamaños grandiosos y desproporcionados de gran singularidad (Venus, 1977, Perro, 1981, Soldado romano, 1986, Mujer a caballo, 1991), realizados en bronce, mármol y resina fundida. En 1992 Montecarlo y los Campos Elíseos de París acogieron una Exposición de Escultura Monumental, y el Gran Palais (París) otra sobre toros, La Corrida. El tratamiento exagerado en sus proporciones de la figura humana es hoy una de las características inconfundibles de su obra, que ha sufrido pocas variaciones desde sus comienzos


El baño (1989)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 249 x 205 cm.
Localización: Colección del artista
Autor: Fernando Botero


Familia colombiana (1999)



Descripción: Óleo sobre lienzo. 195 x 168 cm.
Localización: Colección del artista
Autor: Fernando Botero



  1. Rembrandt Harmenszoon van Rijn fue un pintor y grabador holandés. La historia del arte le considera uno de los mayores maestros barrocos de la pintura y el grabado, siendo con seguridad el artista más importante de la historia de Holanda. 
  2. CónyugeSaskia van Uylenburgh (m. 1634–1642)
  3. PeríodosBarroco, Pintura del Siglo de oro neerlandés, Siglo de oro neerlandés

(Rembrandt Harmenszoon van Rijn; Leiden, Países Bajos, 1606 - Amsterdam, 1669) Pintor holandés. Nacido en el seno de una acomodada familia de molineros, Rembrandt van Rijn recibió una esmerada educación y llegó a ingresar en la Universidad de Leiden, donde estudió un curso, ya que por entonces decidió dedicarse a la pintura. De los dos maestros que tuvo, uno en Leiden y otro en Amsterdam, fue este último el que más influyó en el artista y el que le transmitió las tendencias italianizantes en boga. De hecho, sus primeras creaciones (como laLapidación de san Esteban) manifiestan una evidente influencia del estilo de Pieter Lastman.



La tormenta en el mar de Galilea, 1633.Obra en paradero desconocido desde su robo del museo Isabella Stewart Gardner en 1990.



 Autorretrato, óleo de 1659.
 Nombre completo, Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Rembrandt Harmenszoon van Rijn nació en Leiden el 15 de julio de 1606.
 Su educación, en latín, incluyó un breve período en la Universidad de su ciudad




jueves, 12 de febrero de 2015

DECIMO. Leonardo Davinci.

Leonardo Da'vinci.


SEXTO Y SEPTIMO. zendalas con formas de letras.

Zendalas




Realice sus propios diseños.


OCTAVO. caligramas.

Caligramas.

 Es un poema, frase o palabra cuyo propósito es formar una figura acerca de lo que trata el poema, en la cual la tipografía, caligrafía o el texto manuscrito se arregla o configura de tal manera que crea una especie de imagen visual (poesía visual). La imagen creada por las palabras expresa visualmente lo que la palabra o palabras dicen. En un poema, este manifiesta el tema presentado por el texto del poema. En la modernidad se dio con las vanguardias que buscaban la ruptura y la innovación a principios del siglo XX,
 










lunes, 9 de febrero de 2015

UNDECIMO. Las ciudades invisibles.

Las ciudades invisibles es el título de un libro del escritor Italo Calvino. Que propone una nueva mirada a la ciudad desde el concepto de creatividad. La mayoría son ciudades imaginarias o partes de situaciones que pueden suceder  en cualquier ciudad. Todas las ciudades de Calvino tienen forma de mujer.
Crea  la tuya en una descripción  y recreala con  una imagen o dibujo.

"Las ciudades invisibles ( en italiano, Le città invisibili) es un libro de ficción escrito por Italo  Calvino y publicado por primera vez en 1972 por la editorial Einaudi en Italia."

"Este libro es una colección de descripciones de ciudades fantásticas que son contadas por el viajero Marco Polo al rey de los tártaros Kublai Kan. Las descripciones son similares a pequeños poemas o cuentos con temáticas como el deseo, la muerte o los símbolos, entre otros. A lo largo de la obra se encuentran diferentes categorías de ciudades, correspondiendo a cada una de ellas una temática diferente en su descripción".





CategoríaTemática de la descripción
Las ciudades continuasCiudades confusas en su extensión.
Las ciudades escondidasCiudades con múltiples cualidades.
Las ciudades sutilesCiudades abstractas o aéreas.
Las ciudades y el cieloCiudades con propiedades divinas.
Las ciudades y el deseoCiudades que despiertan el deseo y la pasión de las personas.
Las ciudades y el nombreCiudades semánticas.
Las ciudades y la memoriaCiudades de recuerdos manifiestos en sus habitantes o estructuras.
Las ciudades y los intercambiosIntercambios de mercancías, deseos, recuerdos, etc.
Las ciudades y los muertosCiudades que rememoran la muerte.
Las ciudades y los ojosCiudades con propiedades visuales.
Las ciudades y los signosCiudades semióticas.
Algunas interpretaciones que realizan los artistas de las ciudades de Calvino.

Buscando el tema encontraras muchas propuestas e ideas para desarrollar tus ejercicios.