miércoles, 15 de junio de 2016

Los puntos de vista. 119

Se trata de las diferentes formas que tienen los artistas para diseñar sus imágenes, teniendo en cuenta el mensaje que quieran proponer con ellas. A veces es necesario acercar o alejar la escena o el objeto para que su comprensión en la imagen sea más  sencilla para el espectador.

En las historietas o comics, en la producción de cine o video se hace necesario analizar cada una de las imágenes o planos que se van a utilizar para hacer más efectiva la comprensión de la narración.

Siempre se debe buscar la forma más adecuada para representar nuestras ideas y estas formas de composición nos serán muy útiles para lograrlo.

FIGURA 1

La vista panorámica

Se trata de la representación de un lugar específico, pero de gran tamaño, como una ciudad completa vista casi en su totalidad. En el video una panorámica generalmente se hace con un paneo que es un movimiento horizontal de la cámara.

Se utiliza para mostrar el lugar en el que suceden las acciones que se van a contar. FIGURA 1


FIGURA 2

El plano general

Es una forma de composición que nos muestra el lugar en el que suceden los hechos de la historia que vamos a contar. En el plano general generalmente aparecen los lugares y los personajes que participan del evento. Ejemplos como la calle, una tienda, un cuarto y los personajes.

Es muy parecido lo que se incluye en la imagen a la panorámica, pero con mayor acercamiento de la cámara. FIGURA 2

FIGURA 3
FIGURA 4

El primer plano

En el primer plano la imagen presenta un protagonista que puede ser un personaje o un objeto, la principal intención en éste caso es mostrar todas las características posibles de ese elemento.
Se utiliza principalmente para representar retratos de cuerpo entero y para promover algún producto publicitario. FIGURAS 3 Y 4




FIGURA 5

 

El plano detalle

Como su nombre lo indica, es una forma de composición que nos permite acercarnos a un detalle del personaje u objeto para enfatizar una acción o un elemento que de otra manera no se podría destacar.

En la imagen se muestra solo un pedazo del protagonista. Es el más utilizado para realizar retratos de personaje, por ejemplo las fotos de carné a de identificaciones.

Miremos los diferentes ejemplos. FIGURA 5




Primerísimo Primer Plano o Zoom.

Es un acercamiento mayor al objeto, generalmente se utiliza en las narraciones para dinamizar el lenguaje y resaltar acciones o detalles que a simple vista no serían tan evidentes.

Una lágrima, un diente de oro, un anillo en el dedo, el mugre en las uñas son elementos que en ocasiones hacen parte de las necesidades de representación del artista. FIGURA 6


FIGURA 6


Puntos de vista de acuerdo a la posición del espectador


FIGURA 7

Picada o vista desde arriba

Enfatiza características del personaje. Genera la sensación de que es más pequeño física y psicológicamente.

En la representación de espacios acentúa la sensación de profundidad.
FIGURA 7






Contrapicada o vista desde abajo

Enfatiza características del personaje como el poder y la estatura.
Esta forma de mirar hace que el plano sea muy dramático gracias al cambio en la posición de la cámara.

En el comic es muy utilizado para dinamizar el lenguaje. FIGURAS 8 Y 9
FIGURA 8

FIGURA 9











Contraluz o plano silueta.

FIGURA 10
FIGURA 11
La luz se encuentra dirigida hacia el espectador, genera dinamismo y ciertos efectos dramáticos en la narración con imágenes. 
Enfatiza el fondo y la silueta del personaje. FIGURA 10 Y 11



REALICE LA ACTIVIDAD DE IDENTIFICACIÓN DE PUNTOS DE VISTA
De Identificación

                 Rompecabezas Complétalo


APLICACIÓN

REALICE UNA NARRACIÓN CORTA CON IMÁGENES, PUEDE SER UN CUENTO CORTO O UN CHISTE. PROCURE HACERLA EN UNA SOLA PÁGINA Y APLIQUE LOS DIFERENTES PUNTOS DE VISTA TRATADOS EN LA ENTRADA.

martes, 14 de junio de 2016

El encuadre fotográfico. 118

Básicamente el encuadre fotográfico se trata del espacio o la porción de la escena que cada fotógrafo permite que quede en la fotografía. Todos percibimos la escena con la misma cantidad de objetos y espacios. La tarea del fotógrafo es seleccionar correctamente lo que quiere capturar para expresar el mensaje correcto de acuerdo a sus intenciones con la imagen.

La clasificación del encuadre puede variar de un autor a otro, los encuadres más comunes son.


  • Encuadre horizontal: Es el más común y el más empleado de todos. Quizás por ser el que resulta de tomar la cámara y observando por el visor o por la pantalla es lo que nos resulta más natural y sencillo. Pero el que sea común y sencillo no significa que sea mejor o peor, dependiendo de la situación nos resultará más útil este u otro tipo de encuadre. El encuadre horizontal tiene la ventaja de ser muy cómodo al momento de componer una fotografía, ya sea empleando la **regla de los tercios*+ o el espacio negativo por ejemplo. Este tipo de encuadre sugiere quietud, tranquilidad y suele utilizarse normalmente para paisajes y para retratos de grupo, aunque también es bastante popular en retratos de publicidad donde aplicando el concepto de espacio negativo, se coloca al modelo en un extremo y en el extremo contrario se añade el producto o algún texto.

  • El encuadre vertical: No es tan popular como el anterior, pero no deja de ser una excelente alternativa. Igualmente, al tener que girar la cámara dejando el disparador de un lado, nos puede resultar un tanto diferente, pero experimentar con este tipo de encuadre nos puede proporcionar grandes resultados. Sugiere fuerza y firmeza, y es por excelencia el más apropiado para los retratos, básicamente por el hecho que las personas son más altas que anchas. También se le emplea mucho en publicidad, revistas y moda en general.


  • El encuadre inclinado: Hay quienes consideran este no es propiamente una forma de encuadre, ya que las fotografías se presentaran de manera horizontal o vertical, sin embargo este enfoque se obtiene inclinando la cámara y justamente a esa posición es a lo que generalmente denominamos “encuadrar”. Obviamente es mucho menos popular que los anteriores pero como alternativa ocasional puede realzar el mensaje que se intenta transmitir, ya que en sí mismo transmite dinamismo y fuerzaSe emplea bastante en casos de deportes extremos o en escenas donde hay sensación de movimiento y acción.
Recuperado de: http://hipertextual.com/archivo/2010/11/encuadre-fotografico/

En el comic, por ejemplo, los artistas utilizan los diferentes PLANOS DE ENCUADRE. para realizar sus narraciones de historias. pueden ser muy útiles en el momento de elegir una escena para tus fotografías.


lunes, 13 de junio de 2016

SEPTIMO. Paisaje urbano. 117




Recuperado de:www.flickr.com

Se trata de una forma de paisaje que presenta en su composición elementos creados por el hombre.

Cuando mencionamos el concepto nos referimos a formas de composición de paisaje que representa ciudades, calles, construcciones importantes etc...

recuperado de www.culturabogota.com

Paisaje urbano para colorear
Recuperado de www.imagui.com

Es de destacar que cuando pretendemos realizar una representación de paisaje urbano, aparece generalmente un elemento que se destaca inicialmente: El punto de fuga.


Cuando hablamos de punto de fuga nos referimos a un punto que representa el sitio más distante de los ojos del espectador que se representa con un punto y a cual se dirigen todas las líneas que se proyectan hacia la profundidad. Este punto se ubica sobre la línea de horizonte antes de iniciar la representación. Nos permite representar los tamaños de los objetos de acuerdo a la distancia en la que se encuentren.

recuperado de:golfoforo.com
Punto de fuga
La imagen nos enseña la forma más sencilla de comprender el concepto.

En el paisaje urbano se utiliza de la siguiente manera.
Recuperado de:www.youtube.com




Dibujo paso a paso de un paisaje urbano con perspectiva y puntos de fuga.

Video:Dibujar la perspectiva 2. clases de arte. Recuperado de youtube.com.
Realice la actividad de afianzamiento El paisaje urbano.  

Vamos a la actividad
                                                          Mosaico.

Fases de investigación para la creación de una obra de arte. 109

edicionesastrolabio.com
www.bibliotecaspublicas.es
juandesalazar.org.p




 ACTIVIDAD

Como propuesta a las necesidades de desarrollar un trabajo personal, en el contexto escolar, que tenga un carácter parecido al de la creación de una obra de arte, planteamos esta posible metodología para el desarrollo de los proyectos y propuestas.

Se plantea que la presentación del ejercicio, por lo menos en su parte teórica se desarrolle en forma de revista digital, la cual se puede desarrollar en el siguiente enlace FLIPSNAK. También es posible desarrollar el diseño en un programa digital y publicarlo en alguna página que tenga estas características.
Aquí lo importante realmente es generar investigación, desde el colegio, entorno a la creación de obra artística y al arte mismo para comprender la experiencia que tienen los artistas actualmente y comprender la importancia de la expresión en la sociedad actual.


 Fases de la revista.


Después del diseño de la portada, los contenidos y la editorial; un método de investigación para la creación de una obra de arte puede tener los siguientes pasos.

      A. Selección del tema: Elige un tema de caracter abstracto del que pretendas expresarte y que
                                            te  guste. Ejemplos: la moda, la violencia, el amor. Entre otros.

      B. Búsqueda de significados en diccionario y diccionario de símbolos1.
                                                                               diccionario de símbolos 2
      C. Autores y textos de los mismos acerca del tema a desarrollar. Marco teórico.
      D. Planteamientos personales a manera de ensayo acerca de ¿el por que?  le parece que el tema              es pertinente para la elaboración de una obra de arte. Maro conceptual.
      E. Artistas que hallan desarrollado éste tema. imágenes, fichas y breves reseñas.
. Violencia, Alejandro Obregón. ×. Oleo sobre tela, colección de arte del Banco de la República.

      F. Bocetos. Dibujos preparatorios para el desarrollo de su ejercicio. Puede desarrollar una serie                              de ejercicios previos a la ejecución de la obra, una obra de arte no se realiza solo                                  desde una idea, es importante realizar pruebas para que los resultados sean los                                      mejores  y en el momento de la ejecución se cometa un mínimo de errores.




Bocetos realizados por Alejandro Obregón para la elaboración de su obra "Violencia", una de las más destacadas del arte colombiano.

  G. Formalización. Ejercicio u ejercicios terminados. Puede ser una serie de fotografías, una o                                             varias pinturas, una serie de dibujos o grabados realizados por el artista. 

  H. Socialización y muestra. En el proceso de realización de una obra de arte se debe tener en                                                            cuenta siempre el momento en que los espectadores tendrán contacto con la obra, es el momento en el que realmente se realiza el evento artístico, el momento en que se vive la experiencia estética en el cuál la obra cumlple realmente el objetivo para el que fue creada, que es comunicar a los demás los sentimientos, sensaciones o posiciones del artista frente al tema inicial.
Imagen de algunas esculturas que se pueden ver
dentro de la exposición de Tàpies en el Guggenheim Bilbao.


Exposición fotográfica Valencia Marsella foto_Abulaila4

Tenga en cuenta que sus proyectos no tienen límite a la creatividad, los planteamientos de la presente página no pretenden establecer ningún tipo de regla, cada persona tiene la libertad de desarrollar sus procesos de creación a su propio estilo y sin descuidar lo más importante, el proceso de comunicación.

UNDECIMO. El Expresionimo abstracto. 116

                                

Hermoso corto animado rinde tributo a Jackson Pollock


Recuperado de: susanaplastica2012.blogspot.com

“El expresionismo abstracto es un movimiento que nace en Estados Unidos hacia 1947, fecha en la que la mayor parte de los artistas más importantes de esta corriente se apartan del lenguaje figurativo y crean un nuevo estilo en donde se fusionan abstracción y surrealismo. De éste, toman el automatismo, además de experimentar con nuevas técnicas practican un arte marcadamente individualizado en el que prima la expresión de la personalidad del artista. La época de mayor auge de este movimiento coincide con el momento en que el arte americano logra alcanzar su propia identidad y desvincularse de la influencia del arte europeo. La presencia de importantes artistas de las vanguardias europeas en Nueva York tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, y en especial la del grupo surrealista en pleno determina e influye de manera decisiva en el nacimiento de esta nueva corriente. En el expresionismo abstracto se pueden distinguir dos grandes vías: la gestual o pintura de acción (action painting) y la pintura de superficie-color (color fiel-painting). En la pintura de acción encontramos artistas como Pollock, de Kooning, Kline, Motherwell, Gorky y Hoffmann. Estos artistas conciben la creación pictórica como un verdadero ritual y utilizan la pintura para dar rienda suelta a sus estados de ánimo. La pintura de superficie-color centra su interés en las diferentes posibilidades de ciertas yuxtaposiciones cromáticas y en la combinación de colores en superficies generalmente de grandes dimensiones. Mark Rothko, Clifford Still y Barnett Newman aparecen vinculados a esta vía.”
La corriente del Action Painting utilizará la técnica del Dripping, que consiste en salpicar de forma espontánea y energética la pintura encima de un lienzo. Esta forma de pintar se realiza mediante un movimiento semiautomático que sólo está regido por el azar y así, se convierte el espacio en acción. Las reglas y normas de estética que normalmente se deben seguir para realizar una obra se han dejado de lado esto permite la creación cien por ciento propia, por lo tanto, esto es una oposición al artista intelectual porque, no representa ni expresa ninguna realidad. Esta corriente permite la libre expresión del artista como por ejemplo la tensión.
“Los colores que emplea son los que fabrica la industria, esmaltes sintéticos, pinturas metalizadas… Pollock los utiliza como materia viva que fluye en forma de pequeños hilos, regueros, manchas y gotas coaguladas, rompiendose en mil salpicaduras…. Utilizando un bote agujereado donde se vierte la pintura, o un simple palo goteando, no se situa ante la tela, sino que dispuesta en el suelo, gira entorno a ella, se excita con los colores y traslada a sus movimientos con la materia esa excitación hasta que la pintura le impone su ritmo, transformando los sentimientos del artista en acción visible mas allá de los limites del soporte.}

Recuperado de www.jackson-pollock.org

 Dripping. Es cuando dejamos caer la pintura libremente 


sobre el papel.


El Action Painting llegó a ejercer influencia sobre muchos artistas europeos, generando movimientos paralelos como el tachismo, practicado por artistas como el francés George Mathieu, y también afectó a otros aspectos del arte moderno, principalmente a la idea de que una obra de arte debía exhibir claramente la impronta de su proceso creativo.”
Además el Action Paiting se caracteriza por tener una ausencia de toda relación con lo objetivo. Un rechazo de todo convencionalismo estético. Una expresión libre y subjetiva del inconsciente. También por tener una ejecución totalmente espontánea. Tiene una valoración de lo accidental y explotación del azar como recurso operativo. Una intensidad de propósito: lo que importa es el proceso o acto de pintar más que el contenido. Un predominio del trazo gestual en expresiones de gran virulencia y dinamismo. Y por último el empleo de manchas y líneas con ritmo.
 Tadeusz Machowski
Recuperado de :
trianarts.com

Finalmente como se mencionó anteriormente la figura más representante de esta corriente artística es Jackson Pollock.
El estadounidense Jackson Pollock es considerado para el arte abstracto como un monumento modernitas con su tendencia action painting,por que trabajó cuidadosamente su arte y siempre intentaba buscar nuevas formas para plasmarlo.Él influyó de manera importante en el expresionismo abstracto,por que fue capaz de “crear” por medio de la composición de los materiales, esto quiere decir, que su trabajo (la obra en sí), tenía una estrecha relación con los materiales de manera que todo se iba convirtiendo en abstracto, por lo que toda combinación de colores intenta expresar la necesidad interna, permitiendo la libertad cromática (colores).Pollock hizo del papel un material de expresión. En él, uso su método de verter, gotear y lanzar la pintura, y estas técnicas libres formaron como contenido artístico: remolinos, puntos, chorros, pinceladas, gotas y graffiti. No había limites, sólo los bordes del papel. Las textura de sus obras eran complejas y a su vez, toscas y delicadas.
De tal manera Pollock hizo del action painting una manera de expresión libre, rompe con el típico arte de usar lápiz, de usar sólo el pincel para retocar y pintar de forma perfecta. Él nos hace ver por medio de sus obras esa libertad de expresar esa emoción de caos, de desorden, de una mezcla de muchas inquietudes, etc.





Expresionismo abstracto norteamericano. de youtube.




BASQUIAT samo. de youtube.





Técnica del Estarcido. 110


Artes plásticas. Capítulo 3. Estarcido o stencil. 
Recuperado de www.youtube.com/watch?v=m62bqqolaP4

 Técnica muy primitiva identificada más recientemente con el esténcil (del inglés stencil), es un tipo de decoración a partir de una plantilla, calco o "trepa"con un dibujo recortado o patrón, método que permite reproducir en serie la imagen representada.  Entre sus múltiples campos de aplicación destaca como recurso industrial el estarcido en la decoración de azulejos.
Recurso casi prehistórico, el estarcido moderno deriva de los métodos decorativos desarrollados en distintos lugares del mundo. Desde los delicados estarcidos japoneses hasta los atrevidos y complejos diseños africanos. Desde la sencillez naïf del arte folk holandés, hasta la formalidad victoriana. 
Recuperado de wikipedia


Estarcidos callejeros en Barcelona (España).

Realiza tus propuestas de estarcido o stencil teniendo en cuenta que es muy importante realizar primero los bocetos o diseños, un color a la vez.




EL INTÁGLIO. 111

Las imágenes que vemos a continuación pertenecen a uno de los artistas más importantes de la historia del arte colombiano, Omar Rayo. Protagonista en el mundo del arte por sus procesos de abstracción y simplificación de formas, además de la limpieza de sus trabajos. sus series de intágilos reciben , entre otros, el título de ZOO-RAYO. 



Recuperado de www.museorayo.co


LA TECNICA DEL INTÁGLIO

Intaglio, como técnica artística en donde se crea una imagen por corte, tallado o grabado en una superficie plana o también puede designar a los objetos fabricados con estas técnicas, puede referirse a:

Recuperado de es.wikipedia.org/wiki/Intaglio.



Es una forma de grabado en la que se genera, a partír de la matrís, un relieve en el papel. Algunos artistas utilizan incisiones o ranuras en el papel para mejorar su técnica.

ACTIVIDAD


Realizaramos una forma de intaglio en clase partiendo de materiales como el cartón para la realización de la matrís inicial. 

Desarrollaremos un par de impresiones en el papel con instrumentos con borde romo.
Aun que el intaglio profesional exige herramientas más complejas, aquí loimportante es reconocer los conceptos de simplificación de formas y la aplicación de la técnica.

La composición artística. 112

La composición artística



La composición consiste en distribuir de manera adecuada, todos y cada uno de los elementos que conforman la representación, teniendo en cuenta el color, el tamaño, las texturas, las tonalidades, el espacio y las formas en general que se vayan a implementar.


Realizar adecuadamente una composición artística es 

organizar todos los elementos del plano dimensional.


Para realizar composiciones partimos inicialmente de cuatro formas de realización.

La figura y el fondo: ir al PDF módulos de Ministerio de educación Página 45.

El bodegón o naturaleza muerta


Un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una obra de arte que representa animales, flores y otros objetos, que pueden ser naturales (frutas, comida, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, etc.) en un espacio determinado. Esta rama de la pintura se sirve normalmente del diseño, el cromatismo y la iluminación para producir un efecto de serenidad, bienestar y armonía.

El paisaje

Recuperado de: www.paisajesbonitos.org
El paisaje es la extensión de terreno que puede apreciarse desde un sitio. Puede decirse que es todo aquello que ingresa en el campo visual desde un determinado lugar. Por ejemplo: “El paisaje de Bariloche es espectacular”“Quiero ir a un lugar que tenga un paisaje bonito, con montañas y lagos”“Los edificios construidos en la costa han arruinado el paisaje de la ciudad”.



El retrato


Recuperado de: Retratos de encargo. Retratos online
Un retrato (del latin retractus) es una pintura o efigie principalmente de una persona. También se entiende por retrato la descripción de la figura o carácter, o sea, de las cualidades físicas o morales de una persona.
En un retrato predomina la cara y su expresión. Se pretende mostrar la semejanza, personalidad e incluso el estado de ánimo de la persona. Por esta razón, en fotografía un retrato no es generalmente una simple foto, sino una imagen compuesta de la persona en una posición quieta.

Recuperado de: Magali Garcia - Bligoo.com

La abstracción geométrica

Es una forma de composición que utiliza formas sinple y generalmente geométricas. Es una especie de simplificación de la imaginación del hombre,pues utiliza recursos que solo existen en la mente humana.

Realiza tus ejercicios de acuerdo a los ejemplos y temas

Alto contraste
Recuperado de: SlideShare



DECIMO. La fotografía. 115

La fotografía es el procedimiento y arte que permite fijar y reproducir, a través de reacciones químicas y en superficies preparadas para ello, las imágenes que se recogen en el fondo de una cámara oscura.

El principio de la cámara oscura 

Consiste en proyectar la imagen que es captada por un pequeño agujero sobre la superficie. De esta manera, el tamaño de la imagen resulta reducido y puede aumentar su nitidez.

Recuperado de: www.puratura.com
El almacenamiento de la imagen obtenida puede realizarse en una película sensible o en sensores CCD y CMOS o memorias digitales (en el caso de la denominada fotografía digital).

El daguerrotipo, inventado por Louis Daguerre en 1839, es considerado como el precursor de la fotografía moderna. Daguerre utilizaba una capa de nitrato de plata sobre una base de cobre. El positivo se plasmaba en mercurio y la imagen era fijada al introducir la placa en una solución de cloruro de sodio o tiosulfato sódico diluido.

ACTIVIDAD



George Eastman fue un gran impulsor de la fotografía cuando, en 1888, presentó la primera cámara Kodak con rollo de papel fotográfico. Esta técnica sustituyó a las placas de cristal. Otro paso importante se produjo en 1948, con el lanzamiento de la técnica Polaroid que permite revelar las fotos en apenas un minuto.
En la actualidad, las fotografías suelen retocarse con software para eliminar aquellas imperfecciones que han quedado registradas y realizar todo tipo de acciones, como realzar colores, jugar con el enfoque o superponer diversas imágenes en una misma, por ejemplo.
Es importante tener en cuenta que, además de ser utilizada con fines científicos, la fotografía ha logrado constituirse como un arte. Las imágenes tomadas por los fotógrafos artísticos suelen ser exhibidas en exposiciones y museos.

Las partes más importantes de una cámara réflex son: el objetivo (formado por las lentes que se encargan de dirigir la luz hacia el sensor para conseguir la mejor fidelidad a la escena que se desea capturar. De acuerdo al diafragma, el objetivo puede ser más o menos luminoso), el obturador (está formado por un conjunto de aspas que permiten el paso de la luz, controlando la cantidad que debe entrar; el visor(permite que el fotógrafo vea la escena y escoja el motivo de la imagen) y el sensor (se encarga de captar la información de la escena; se encuentra formado por píxeles que son sensibles a la luz que graban los datos de la imagen que posteriormente será procesado).

Para profundizar el tema Recuperado de: http://definicion.de/fotografia/

Para mejorar en el uso de tu cámara fotográfica te recomendamos analizar la siguiente página:
Curso de fotografía básica




PRESENTACIÓN REALIZADA POR ESTUDIANTES 10-1 2016: Stiven Acosta, Liceth Quintero