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!Bienvenidos Estudiantes¡

Este es un Blog diseñado inicialmente para el acompañamiento del área de educación artística, creada para estudiantes de secundaria de la Institución Educativa Pablo Neruda de la ciudad de Medellín (Colombia)

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Las vanguardias Artísticas .138

 Algunas vanguardias del siglo XX.



Las vanguardias son algunos movimientos artísticos que aparecen a el siglo finales del siglo XIX  y durante el siglo XX, principalmente, estos movimientos artísticos nacen de la necesidad de los artistas de innovar en la expresión plástica principalmente en un momento en el que la fotografía empieza a reemplazar la labor de la plástica de representar la realidad tal y como el ojo humano la aprecia. Es entonces que los artistas se liberan de ese dogma que es la representación real de los objetos, los personajes y los espacios, lo que les permite incluir algunas variaciones a esa realidad de acuerdo a una filosofía o una mirada personal de ella. Es entonces que se hacen preguntas acerca de la luz en la pintura con el Impresionismo, o por ejemplo la inclusión del lenguaje personal como en el caso del Expresionismo,  o la manera en la que se pueden poner todos los posibles puntos de vista de la escultura en una superficie plana pictórica, por ejemplo.  El siglo XX trae consigo una serie de cambios bastante positivos en el arte y sus productores, principalmente la concepción de que el arte se basa en las formas, los colores y la percepción personal, no tanto en la estética o el concepto de belleza. 

Realmente sería muy difícil decir cuáles fueron las primeras vanguardias o en qué momento inicia una  o termina la otra, la realidad es que se dieron en diferentes momentos del siglo, algunas al tiempo, y todavía hoy los artistas apoyan su trabajo en las maneras de pensamiento  de los vanguardistas, es posible que encuentres obras que relacionan su trabajo con ellas de manera combinada o individualmente. En la actualidad vincular de esa forma una vanguardia con un artista sería irreal; en el caso de la música, por ejemplo, encontramos que se crean lenguajes musicales que traen referentes de diferentes fuentes, recreando y creando nuevas formas, es lo mismo que sucede con la plástica,  el artista retoma, mezcla, propone sobre el pensamiento y lenguaje de otro y de esa forma construye su propia forma de representación y comunicación. 

 A continuación identificaremos algunas de las vanguardias más destacadas


CUBISMO: Es una tendencia esencial, pues es la que da inicio al resto de las vanguardias europeas del siglo XX, No se trata de una más, sino que plantea la ruptura definitiva con la pintura tradicional.

En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras |geométricas fragmentando líneas y superficies.

La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente.

https://youtu.be/69e_zf9sRas


FUTURISMO: Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la

máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito,

con el fin de darle una expresión plástica.

Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes

la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura,

urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito

de rejuvenecer y construir un nuevo orden en el mundo. Surge en Italia en 1909 por la publicación de

FIlippo Tomaso Marinetti, del manifiesto futurista.

https://www.youtube.com/watch?v=xyct5oUH3DM


EXPERESIONISMO: Estos artistas plasman los estados de ánimo en sus obras, principalmente las carencias ante la sociedad y las angustias. se destaca por la distorsión de la realidad a tal punto que no importa la inclusión de la fealdad en el cuadro, lo importante es su fuerza expresiva. 

Se ubica principalmente entre 1905 y 1933, El primer grupo expresionista se denomina Die Brücke (el puente), querían vincular el pasado con el futuro, Aparece un segundo grupo que se llamaba Der Blaue Reiter ( el jinete azul). El movimiento expresionista se destaca por su constante crítica a la sociedad y como estaba establecida. Además se ve afectado por las consecuencias que dejó la presencia de la guerra en muchos de estos artistas. 

https://www.youtube.com/watch?v=eKabFOPkx0M


El portafolio de evidencias 134

Recuperado de: http://materialparamaestros.com/500-estrategias-didacticas-pdf/

Analiza el siguiente documento para comprender la intención de esta estrategia pedagógica en el área de artística. 

Documento para la elaboración de un portafolio
Recuperado de: https://es.slideshare.net/IselaGuerreroPacheco/portafolio-de-evidencias-48306158?qid=bbdec0ad-276c-4233-8102-815a50e5a462&v=&b=&from_search=1

Tabla de contenidos para clasificar la información y las evidencias en el portafolio

En  el enlace TABLA DE CLASIFICACIÓN puedes descargar el formato para tu portafoilo.




Un poco del cine latinoamericano-

Analiza el texto de wikipedia sobre cine latinoamericano
Película
Pedro Páramo

Recuperado de: https://youtu.be/XRq3_wg_pIY

Fragmento de la película Pedro Páramo


Documental nominado al Oscar 2018

Recuperado de: https://youtu.be/09M3C4VD1Fg

Heaven Is A Traffic Jam On The 405 -- Short Film


Primera película ganadora del Oscar  a Película Extranjera en Latinoamérica.

Recuperado de: https://youtu.be/O0CyRCRvSh4

Trailer la historia oficial




Recuperado de: https://youtu.be/viV-OC4bpOw

Trailer El secreto de sus ojos



Recuperado de: https://youtu.be/dNzcCofU_cw

El Secreto De Sus Ojos Pelicula Completa 2009 Audio Latino



Actividades:

Realiza la sinopsis de una de las películas de cine latinoamericano propuestas en la entrada.





HISTORIA DEL CINE. 129

Recuperado de https://youtu.be/WLzaRpo1loM
La historia Del Cine En 8 minutos


Recupoerado de https://youtu.be/xZpE1euQIPM

"LINEA DEL TIEMPO" - HISTORIA DEL CINE


Recuperado de https://youtu.be/g8SMIiQZUcs
The Astronomers Dream (1898) Georges Méliès

Recuperado de https://youtu.be/ZNAHcMMOHE8

Le Voyage dans la Lune (1902) - Georges Méliès - (HQ) - Music by David Short - Billi Brass Quintet


Actividad Práctica 

1. Realiza un mapa conceptual en el que relaciones los conceptos más importantes de la historia del         cine.
2. Desarrolla la sinopsis de la película "A trip to the moon".
3. Desarrolla una propuesta de una historia que te gustaría contar mediante el lenguaje del cine.               Debes tener en cuenta la originalidad y el contexto en el que habitas.


Sesión 2 Historia de cine

Recuperado de: https://youtu.be/fBtpVEi1LTw

Charlie Chaplin - The Kid (1921)




Actividades
1. Realice la sinópsis. Realice el guion completo para una escena con los planos de encuadre.
2. Prepare su proyecto audiovisual con os compañeros.



EL PERFORMANCE. 128


1. Oprime el enlace para analizar el tema DEFINICIÓN
2. Observa atentamente los videos. Ubica un performance diferente mediante un rastreo por la red.



Performance, Live Painting Hommage to a Great Woman | Franck Bouroullec | TEDxLausanneWomen



3. Realiza un mapa conceptual o un resumen de los conceptos más importantes.
4. Realiza un análisis personal de 300 palabras acerca del tema en el contexto histórico actual.

ALGUNAS TENDENCIAS DEL ARTE CONTEMPORÁNEO. 127



Es igualmente necesario definir a qué nos referimos por arte contemporáneo. Aunque existen varias posibles definiciones, la mayoría de los museos más visitados definen como “contemporáneas” sus colecciones de obras desde la Segunda Guerra Mundial. Para efectos de este artículo, sin embargo, he preferido tomar una definición más conceptual que cronológica. Existen algunas características comunes a las manifestaciones artísticas a las que me refiero como contemporáneas en este artículo y detallo algunas a continuación.
Para empezar, el arte contemporáneo reta la definición de lo que constituye una obra. “El acto artístico ya no reside en la fabricación del objeto u obra sino en su concepto, en el texto que lo acompaña, las reacciones que suscita… La obra puede ser efímera, evolutiva, biodegradable, blasfematoria, indecente…”3.
Además, el artista es llamado a cuestionar o provocar al público. Para lograr su objetivo, está motivado a innovar y utilizar todas las herramientas a su haber en términos de nuevas tecnologías, materiales novedosos y demás: “(La obra de algunos representantes del arte contemporáneo) es testigo del acercamiento necesario del mundo de la creación y el de la investigación porque esa misma obra resulta de la colaboración entre el artista y …los laboratorios”4.
Por último, el carácter inclusivo del arte contemporáneo ha traído como resultado que los bordes o límites entre las diferentes manifestaciones artísticas sean progresivamente borrosos. Hoy en día, “la distorsión de las variaciones en el arte a menudo llevan a la creación de obras híbridas. Estas piezas oscurecen o nublan las distinciones tradicionales entre la pintura, la escultura, el cine, el ‘performance’, la arquitectura y la danza”5.

Recuperado de
https://www.enexclusiva.com/07/2014/cultura-y-gastronomia/veinte-tendencias-en-el-arte-contemporaneo/

La instalación artística no solo es el montaje y el ordenamiento de objetos producidos o intervenidos en un espacio o ambiente; las instalaciones tienen sentido en las ideas fundamentadas que concibe y presenta el artista en su obra física o intangible y lo que éstas provocan en la interacción con el espectador.



Recuperado de:
https://www.google.com.co/search?q=instalacion+artistica&oq=instalacion+artistica&aqs=chrome..69i57j0l5.8575j0j4&sourceid=chrome&ie=UTF-8

Fases de investigación para la creación de una obra de arte. 109

edicionesastrolabio.com
www.bibliotecaspublicas.es
juandesalazar.org.p




 ACTIVIDAD

Como propuesta a las necesidades de desarrollar un trabajo personal, en el contexto escolar, que tenga un carácter parecido al de la creación de una obra de arte, planteamos esta posible metodología para el desarrollo de los proyectos y propuestas.

Se plantea que la presentación del ejercicio, por lo menos en su parte teórica se desarrolle en forma de revista digital, la cual se puede desarrollar en el siguiente enlace FLIPSNAK. También es posible desarrollar el diseño en un programa digital y publicarlo en alguna página que tenga estas características.
Aquí lo importante realmente es generar investigación, desde el colegio, entorno a la creación de obra artística y al arte mismo para comprender la experiencia que tienen los artistas actualmente y comprender la importancia de la expresión en la sociedad actual.


 Fases de la revista.


Después del diseño de la portada, los contenidos y la editorial; un método de investigación para la creación de una obra de arte puede tener los siguientes pasos.

      A. Selección del tema: Elige un tema de caracter abstracto del que pretendas expresarte y que
                                            te  guste. Ejemplos: la moda, la violencia, el amor. Entre otros.

      B. Búsqueda de significados en diccionario y diccionario de símbolos1.
                                                                               diccionario de símbolos 2
      C. Autores y textos de los mismos acerca del tema a desarrollar. Marco teórico.
      D. Planteamientos personales a manera de ensayo acerca de ¿el por que?  le parece que el tema              es pertinente para la elaboración de una obra de arte. Maro conceptual.
      E. Artistas que hallan desarrollado éste tema. imágenes, fichas y breves reseñas.
. Violencia, Alejandro Obregón. ×. Oleo sobre tela, colección de arte del Banco de la República.

      F. Bocetos. Dibujos preparatorios para el desarrollo de su ejercicio. Puede desarrollar una serie                              de ejercicios previos a la ejecución de la obra, una obra de arte no se realiza solo                                  desde una idea, es importante realizar pruebas para que los resultados sean los                                      mejores  y en el momento de la ejecución se cometa un mínimo de errores.




Bocetos realizados por Alejandro Obregón para la elaboración de su obra "Violencia", una de las más destacadas del arte colombiano.

  G. Formalización. Ejercicio u ejercicios terminados. Puede ser una serie de fotografías, una o                                             varias pinturas, una serie de dibujos o grabados realizados por el artista. 

  H. Socialización y muestra. En el proceso de realización de una obra de arte se debe tener en                                                            cuenta siempre el momento en que los espectadores tendrán contacto con la obra, es el momento en el que realmente se realiza el evento artístico, el momento en que se vive la experiencia estética en el cuál la obra cumlple realmente el objetivo para el que fue creada, que es comunicar a los demás los sentimientos, sensaciones o posiciones del artista frente al tema inicial.
Imagen de algunas esculturas que se pueden ver
dentro de la exposición de Tàpies en el Guggenheim Bilbao.


Exposición fotográfica Valencia Marsella foto_Abulaila4

Tenga en cuenta que sus proyectos no tienen límite a la creatividad, los planteamientos de la presente página no pretenden establecer ningún tipo de regla, cada persona tiene la libertad de desarrollar sus procesos de creación a su propio estilo y sin descuidar lo más importante, el proceso de comunicación.

Fases de la investigación

1.       Selección del elemento conceptual. Debe ser abstracto. Violencia, fiesta, dolor, amor…
2.       Definición del concepto: se realiza inicialmente desde lo personal y posteriormente se buscan definiciones desde otras disciplinas para tener un amplio abanico de posibilidades. Filosofía, sociología, psicología…
3.       ¿Qué se ha hecho a nivel artístico? Se reseñan algunos artistas y procesos que puedan aportar a las ideas que surjan en la construcción de la obra. Se sugiere al menos 5 procesos para analizar.
4.       Reflexión- argumentación: con el conocimiento más profundo del tema y el contexto se debe plantear una nueva argumentación que termina con la idea que se realizará.
5.       Bocetos y propuestas: toda planeación de un proyecto creativo necesita varias alternativas para que sea más efectivo.
6.       Recursos a utilizar. Materiales, humanos, muebles, técnicos y tecnológicos.
7.       Formalización: significa dar forma al proyecto. Es el momento de la construcción.
8.       Socialización y muestra: la función final de una obra de arte es que pueda comunicar y producir en el espectador alguna sensación o reacción. Es el momento en que la obra o el evento artístico se completa.


El Expresionismo Abstracto. 116

                                

Hermoso corto animado rinde tributo a Jackson Pollock


Recuperado de: susanaplastica2012.blogspot.com

“El expresionismo abstracto es un movimiento que nace en Estados Unidos hacia 1947, fecha en la que la mayor parte de los artistas más importantes de esta corriente se apartan del lenguaje figurativo y crean un nuevo estilo en donde se fusionan abstracción y surrealismo. De éste, toman el automatismo, además de experimentar con nuevas técnicas practican un arte marcadamente individualizado en el que prima la expresión de la personalidad del artista. La época de mayor auge de este movimiento coincide con el momento en que el arte americano logra alcanzar su propia identidad y desvincularse de la influencia del arte europeo. La presencia de importantes artistas de las vanguardias europeas en Nueva York tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, y en especial la del grupo surrealista en pleno determina e influye de manera decisiva en el nacimiento de esta nueva corriente. En el expresionismo abstracto se pueden distinguir dos grandes vías: la gestual o pintura de acción (action painting) y la pintura de superficie-color (color fiel-painting). En la pintura de acción encontramos artistas como Pollock, de Kooning, Kline, Motherwell, Gorky y Hoffmann. Estos artistas conciben la creación pictórica como un verdadero ritual y utilizan la pintura para dar rienda suelta a sus estados de ánimo. La pintura de superficie-color centra su interés en las diferentes posibilidades de ciertas yuxtaposiciones cromáticas y en la combinación de colores en superficies generalmente de grandes dimensiones. Mark Rothko, Clifford Still y Barnett Newman aparecen vinculados a esta vía.”
La corriente del Action Painting utilizará la técnica del Dripping, que consiste en salpicar de forma espontánea y energética la pintura encima de un lienzo. Esta forma de pintar se realiza mediante un movimiento semiautomático que sólo está regido por el azar y así, se convierte el espacio en acción. Las reglas y normas de estética que normalmente se deben seguir para realizar una obra se han dejado de lado esto permite la creación cien por ciento propia, por lo tanto, esto es una oposición al artista intelectual porque, no representa ni expresa ninguna realidad. Esta corriente permite la libre expresión del artista como por ejemplo la tensión.
“Los colores que emplea son los que fabrica la industria, esmaltes sintéticos, pinturas metalizadas… Pollock los utiliza como materia viva que fluye en forma de pequeños hilos, regueros, manchas y gotas coaguladas, rompiendose en mil salpicaduras…. Utilizando un bote agujereado donde se vierte la pintura, o un simple palo goteando, no se situa ante la tela, sino que dispuesta en el suelo, gira entorno a ella, se excita con los colores y traslada a sus movimientos con la materia esa excitación hasta que la pintura le impone su ritmo, transformando los sentimientos del artista en acción visible mas allá de los limites del soporte.}

Recuperado de www.jackson-pollock.org

 Dripping. Es cuando dejamos caer la pintura libremente 


sobre el papel.


El Action Painting llegó a ejercer influencia sobre muchos artistas europeos, generando movimientos paralelos como el tachismo, practicado por artistas como el francés George Mathieu, y también afectó a otros aspectos del arte moderno, principalmente a la idea de que una obra de arte debía exhibir claramente la impronta de su proceso creativo.”
Además el Action Paiting se caracteriza por tener una ausencia de toda relación con lo objetivo. Un rechazo de todo convencionalismo estético. Una expresión libre y subjetiva del inconsciente. También por tener una ejecución totalmente espontánea. Tiene una valoración de lo accidental y explotación del azar como recurso operativo. Una intensidad de propósito: lo que importa es el proceso o acto de pintar más que el contenido. Un predominio del trazo gestual en expresiones de gran virulencia y dinamismo. Y por último el empleo de manchas y líneas con ritmo.
 Tadeusz Machowski
Recuperado de :
trianarts.com

Finalmente como se mencionó anteriormente la figura más representante de esta corriente artística es Jackson Pollock.
El estadounidense Jackson Pollock es considerado para el arte abstracto como un monumento modernitas con su tendencia action painting,por que trabajó cuidadosamente su arte y siempre intentaba buscar nuevas formas para plasmarlo.Él influyó de manera importante en el expresionismo abstracto,por que fue capaz de “crear” por medio de la composición de los materiales, esto quiere decir, que su trabajo (la obra en sí), tenía una estrecha relación con los materiales de manera que todo se iba convirtiendo en abstracto, por lo que toda combinación de colores intenta expresar la necesidad interna, permitiendo la libertad cromática (colores).Pollock hizo del papel un material de expresión. En él, uso su método de verter, gotear y lanzar la pintura, y estas técnicas libres formaron como contenido artístico: remolinos, puntos, chorros, pinceladas, gotas y graffiti. No había limites, sólo los bordes del papel. Las textura de sus obras eran complejas y a su vez, toscas y delicadas.
De tal manera Pollock hizo del action painting una manera de expresión libre, rompe con el típico arte de usar lápiz, de usar sólo el pincel para retocar y pintar de forma perfecta. Él nos hace ver por medio de sus obras esa libertad de expresar esa emoción de caos, de desorden, de una mezcla de muchas inquietudes, etc.





Expresionismo abstracto norteamericano. de youtube.




BASQUIAT samo. de youtube.





La fotografía. 115

La fotografía es el procedimiento y arte que permite fijar y reproducir, a través de reacciones químicas y en superficies preparadas para ello, las imágenes que se recogen en el fondo de una cámara oscura.

El principio de la cámara oscura 

Consiste en proyectar la imagen que es captada por un pequeño agujero sobre la superficie. De esta manera, el tamaño de la imagen resulta reducido y puede aumentar su nitidez.

Recuperado de: www.puratura.com
El almacenamiento de la imagen obtenida puede realizarse en una película sensible o en sensores CCD y CMOS o memorias digitales (en el caso de la denominada fotografía digital).

El daguerrotipo, inventado por Louis Daguerre en 1839, es considerado como el precursor de la fotografía moderna. Daguerre utilizaba una capa de nitrato de plata sobre una base de cobre. El positivo se plasmaba en mercurio y la imagen era fijada al introducir la placa en una solución de cloruro de sodio o tiosulfato sódico diluido.

ACTIVIDAD



George Eastman fue un gran impulsor de la fotografía cuando, en 1888, presentó la primera cámara Kodak con rollo de papel fotográfico. Esta técnica sustituyó a las placas de cristal. Otro paso importante se produjo en 1948, con el lanzamiento de la técnica Polaroid que permite revelar las fotos en apenas un minuto.
En la actualidad, las fotografías suelen retocarse con software para eliminar aquellas imperfecciones que han quedado registradas y realizar todo tipo de acciones, como realzar colores, jugar con el enfoque o superponer diversas imágenes en una misma, por ejemplo.
Es importante tener en cuenta que, además de ser utilizada con fines científicos, la fotografía ha logrado constituirse como un arte. Las imágenes tomadas por los fotógrafos artísticos suelen ser exhibidas en exposiciones y museos.

Las partes más importantes de una cámara réflex son: el objetivo (formado por las lentes que se encargan de dirigir la luz hacia el sensor para conseguir la mejor fidelidad a la escena que se desea capturar. De acuerdo al diafragma, el objetivo puede ser más o menos luminoso), el obturador (está formado por un conjunto de aspas que permiten el paso de la luz, controlando la cantidad que debe entrar; el visor(permite que el fotógrafo vea la escena y escoja el motivo de la imagen) y el sensor (se encarga de captar la información de la escena; se encuentra formado por píxeles que son sensibles a la luz que graban los datos de la imagen que posteriormente será procesado).

Para profundizar el tema Recuperado de: http://definicion.de/fotografia/

Para mejorar en el uso de tu cámara fotográfica te recomendamos analizar la siguiente página:
Curso de fotografía básica




PRESENTACIÓN REALIZADA POR ESTUDIANTES 10-1 2016: Stiven Acosta, Liceth Quintero

UNDÉCIMO. Contenidos de unidad 3. 54

Undécimo PERIODO 3

I.E. Pablo Neruda ----Área Artística

0. La ciudades invisibles, proyecto de lectura y arte, generar una maqueta, serie de dibujos o fotografías. 
    1. Visualización de procesos de socialización  de una obra de arte. 
       Exposiciones artísticas, obras y montajes teatrales, conciertos y festivales.
     2. El Arte Actual: 
         a. Ready Made.
         b. El Land Art.
         c. El performance.  pag. 128
         d. El body Art.
         e. La instalación artística.
     3. Antropología del arte: 
               a. El tatuaje.
               b. El body art.
               c. ¨Piercing.
Se
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Semana 38- noviembre 10 a 14

      Actividad de estructuración: Presentación el arte conceptual. 
      Realiza la lectura en la imagen y resuelve las actividades: 
Leer más




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Semana 29- septiembre 1 a 5

      Actividad de estructuración: Presentación el arte conceptual.
  


      

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Semana 27- Agosto 20 -24

Inducción a tercer periodo:

Indicadores de desempeño:

SENSIBILIDAD PERCEPTIVA:  Exploro estímulos, sensaciones, emociones y sentimientos, como recursos que contribuyan a configurar mi expresión plástica y visual.

 PRODUCCIÓN-CREACIÓN: Participo en la gestión de distintas estrategias para socializar mis producciones artísticas plásticas y visuales, y las de mis compañeros. Organizo exposiciones y actividades para socializar los trabajos realizados.

COMPRENSIÓN CRÍTICO- CULTURAL: Desarrollo capacidades de análisis de obras plásticas y prácticas artísticas y visuales, de un repertorio de producciones reconocidas, con respecto a sus aspectos técnicos, estilísticos y aquellos relacionados con los contextos culturales propios de las artes.


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ANEXOS



¿Qué relación existe entre en la conciencia corporal como actitud frente a la puesta en escena de la producción artística?
Identifico los elementos de producción de una obra de arte desde mis intereses expresivos.
Planeo procesos de creación artística partiendo de mi imaginario y mis intereses expresivos.
Produzco creaciones artísticas partiendo de mi imaginario y aplicando las herramientas cognitivas, habilidades y destrezas propias de las prácticas artísticas.

     Géneros Musicales del Mundo.
   a. Cronograma, recursos, tareas y  responsabilidades.
 b.  Desarrollo de actividades.    
    Visualización de procesos de socialización de una obra de arte. Exposiciones                     artísticas, obras y montajes teatrales,               conciertos y festivales.          
Saber conocer
Saber hacer
Saber ser
Identifica los elementos esenciales para desarrollar propuestas artísticas transformadoras desde su imaginario y sus intereses y fortalezas expresivas.
Integra sus procesos de investigación con fines creativos para el desarrollo de propuestas artísticas innovadoras.
Consolida sus propuestas artísticas como resultado de sus procesos investigativos para ser presentadas ante sus compañeros y su comunidad.





EL ARTE ABSTRACTO. 107

Recuperado de:www.mirartegaleria.com
Wassily KAndinsky

El arte abstracto es más fácil de entender y apreciar cuando se sabe qué es más allá de una escueta definición superficial, cuáles son sus características y su historia: origen, desarrollo e importancia.

Qué es abstracto

La abstracción es el acto y el resultado de abstraer (del latín abstrahĕre: extraer, resumir lo más sustancial). El adjetivo abstracto califica lo que no se puede percibir directamente a través de los sentidos, aquello que excluye lo concreto y se aleja del aspecto exterior de una realidad.
Es decir, algunos de los sinónimos de abstracto son: indefinido, general o conceptual. Y algunos de sus antónimos: definido, particular o figurativo.

Qué es arte abstracto


La abstracción en el arte es un lenguaje visual independiente de la representación del natural cuya expresividad reside en el valor y organización de sus elementos. Por lo tanto, el arte abstracto es un concepto opuesto al de arte figurativo que se aplica a varias disciplinas artísticas.

Características del arte abstracto


·    1.  Se aleja de la mímesis de la apariencia externa. La obra de arte abstracta existe independientemente de la realidad.

·    2.  El grado de abstracción puede ser parcial o absoluto. En el arte abstracto puro no existen rastros reconocibles figurativos, mientras que la abstracción parcial conserva partes del referente a la vez modifica otras.

·    3. Énfasis en la propia expresividad de los elementos esenciales del arte y su organización.

·    4. También los materiales y procedimientos adquieren significado más allá de su aspecto técnico.

·    5.  El título de las obras puede ser explicativo y ayudar a transmitir un mensaje.

Origen del Arte Abstracto

Nace con la creación de la nueva pintura del ruso Wassily Kandinsky ( imagen abstracción geométrica) en 1910, en la cual no existía ninguna representación figurativa, sino formas y colores; sin embargo, revisando obras prehistóricas  de Egipto  del periodo prehispánico  se puede ubicar en ellas el origen de este arte.

Esta tendencia artística se baso, no en la representación real del objeto, sino en la belleza que el cuadro pueda reflejar, de allí la importancia del color en las obras abstractas.

La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a partir de finales de la década de 1940 con el "Action Paintig". El final de la década de 1960 vivió el desarrollo de una abstracción centrada en el análisis de sus propios componentes.

Artistas 


Recuperado de:www.diariodecultura.com.ar
Joan Miró-
Femme et Oiseau dans la Nuit, 1947. Oil painting, 28 x 36 inches


evolución de la abstracción de un árbol.
Piet Mondrian.